Pintura del siglo xix en mexico

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El modernismo fue un movimiento cultural que se extendió por Europa en los siglos XIX y XX. Es difícil de definir, pero en general se considera un movimiento de cambio. El mundo totalmente industrializado de la época afectó especialmente a los modos de vida y las formas artísticas tradicionales. La gente empezó a buscar nuevas posibilidades de creaciones y actividades más innovadoras.
Un precursor clave en el cambio de la pintura fue la invención de la cámara fotográfica. La imagen fotográfica sustituyó la función del cuadro, obligando al pintor a hacer algo más que registrar la persona o el acontecimiento tal y como lo veía.
Movimiento artístico del siglo XIX que rechazaba el realismo y el impresionismo y su representación del mundo visual y concreto. Los simbolistas buscaban expresar ideas místicas y espirituales a través del color y la línea. Utilizaban estos elementos para expresar emociones y pensamientos que iban más allá de las descripciones literales.
El surrealismo puede entenderse como el arte de la imaginación y los sueños. Los surrealistas querían crear un arte basado en su pensamiento subconsciente o que lo utilizara. Se inspiraron mucho en los escritos filosóficos de Sigmund Freud, (La interpretación de los sueños, 1900).

Chichén itzá

Antes de la conquista española en el siglo XVI, México pertenecía a una región que ahora se conoce como Mesoamérica. El arte mesoamericano estaba fuertemente basado en la naturaleza, la realidad política circundante y los dioses. Tras la conquista española, el arte en México se utilizó principalmente como medio para propagar el cristianismo. Sin embargo, después de que México obtuviera su independencia de España en 1821, el arte de la nación presentó a los héroes de su independencia; y los temas indígenas empezaron a aparecer en pinturas y esculturas. La Revolución Mexicana, que tuvo lugar entre 1910 y 1920, transformó radicalmente la cultura mexicana y afectó profundamente al arte mexicano. El movimiento del muralismo mexicano dominó entonces la escena del arte mexicano; y desde la década de 1920 hasta la de 1970, se crearon numerosos murales con mensajes nacionalistas, sociales y políticos en edificios públicos. El arte mexicano ha seguido evolucionando con artistas que exploran territorios desconocidos y forjan su propia identidad al margen de las influencias europeas. He aquí las 10 pinturas más famosas de artistas mexicanos.

La cultura artística mexicana

IK: Es interesante que, después de que Santiago Gutiérrez ingresara en la Academia en 1836, estudiara con el pintor catalán Pelegrín Clavé (1811-1880), que había llegado a México en 1846. Clavé, como se sabe, fue uno de los varios profesores europeos encargados de reorganizar la escuela (la Academia se enfrentaba entonces a enormes dificultades financieras). Fue una figura muy influyente, famosa por sus retratos que a menudo proporcionan un sentido de la psicología de sus sujetos. El retrato de esta mujer es un tanto misterioso. ¿Tiene alguna idea de quién podría ser la retratada?
JO: Bueno, el título original se ha perdido, lo cual es un problema, y no he podido relacionar definitivamente esta obra con un título mencionado en una de las reseñas de época de sus exposiciones; casi parece un retrato específico, y Gutiérrez era experto en retratos, pero en realidad se trata más de una pintura de género, una representación bastante simpática de un “tipo” (la madre embarazada) con un mensaje moral o alegórico. Está representada mirando una caléndula, una flor que los aztecas asociaban con la muerte y que todavía aparece en los altares del Día de los Muertos, quizá como referencia sentimental a la mortalidad infantil. En realidad, hay algunos cuadros realizados en la época que emplean composiciones similares, de mujeres que miran flores o cunas vacías u otras imágenes tensas, aunque todos tienden a ser blancos. Apuesto a que utilizó una modelo viva, tal vez una sirvienta (como haría Diego Rivera más tarde), pero en esta época habría sido sorprendente que hubiera registrado su nombre.

Murales de la industria de detroit

Mey-Yen Moriuchi es profesora de historia del arte en la Universidad de St. Joseph y en la Escuela de Arte Tyler. Se licenció en Historia del Arte y Relaciones Internacionales en la Universidad de Pensilvania y obtuvo un máster y un doctorado en Historia del Arte en el Bryn Mawr College. Este artículo se basa en su tesis doctoral, “Nociones de universalidad y diferencia: Nineteenth-Century Mexican Costumbrismo”, que analiza el movimiento costumbrista, su papel en la construcción de tipos raciales y sociales, y su contribución y contestación a las nociones de identidad mexicana. Ha recibido la beca Whiting en Humanidades y ha presentado su investigación sobre la pintura mexicana de los siglos XVIII a XX en varias instituciones, como la National Gallery of Art y el Philadelphia Museum of Art. Sus publicaciones más recientes han aparecido en el catálogo de la exposición The Female Gaze: Women Artists Making Their World (PAFA, 2012) y Shift: Graduate Journal of Visual and Material Culture (octubre de 2012).
El costumbrismo, que se manifestó tanto en España como en América Latina, fue un movimiento de las artes visuales y literarias de finales del siglo XVIII y principios del XIX que buscaba plasmar las costumbres, los trajes y las tradiciones de la gente y la vida cotidiana. En México, los artistas y escritores costumbristas se preocuparon por plasmar y describir el entorno cotidiano y la diversa población que habitaba el país durante el periodo post-independencia[2].